「賽爾號特展-戰神聯盟動員令」開展囉！！

全國人自製的展覽，「賽爾號特展-戰神聯盟動員令」已經開展囉！！！大家快去買票看看昂德古浪的設計成果吧！！

相關新聞：
「賽爾號」實體展來了 小賽爾集合！
今年暑假，一個專為兒童打造的主題式展覽「賽爾號特展─戰神聯盟動員令」，今起在華山藝文特區登場。擁有兒童網路遊戲八成市占率的「賽爾號」，首度化身實體展覽。家長可以帶著孩子，親身體驗虛擬世界的魅力。

賽爾號特展有許多好玩的互動裝置，其中「擊退海盜」遊戲還需「動手動腳」，小六的李廷翔說，「好像在玩Wii」。

小賽爾可在入口處租借能量手環，戴上它到有精靈駐守的各個星球，獲取勇氣、智慧、沉穩等八種光明能量。

曾獲兒福聯盟評選為「優質兒童線上遊戲」的「賽爾號」，是兩岸七至十四歲兒童的最愛，在台灣有四百卅八萬名會員，大陸註冊會員更多達八千萬人。

主辦單位聯合報系金傳媒執行長楊仁烽表示，賽爾號遊戲嚴格管制上網時間，每個帳號平日限用兩小時、假日五小時，超時即自動切斷對戰連線，讓家長放心。

賽爾號展邀請電影「賽德克巴萊」場景製作團隊負責布展，呈現遊戲中船長室、赫爾卡星、光明祭壇、沃爾夫洞穴、炫彩山等太空場景。

贊助企業琉璃奧圖碼科技公司總經理郭特幼說，賽爾號是他兒子最愛的遊戲；他也因此知道賽爾號是個健康的遊戲。

另一主辦單位台灣淘米公司總經理黃信凱表示，小朋友的玩具已從尪仔標、公仔轉換成虛擬世界，台灣淘米致力打造寓教於樂的網路平台。

●「賽爾號」特展即日起至九月卅日，每日上午十點至下午六點在華山藝文特區展出，開展前三天，分別舉辦飲料、氣球限量送，以及精靈蛋彩繪活動，詳見官網http://seer.ishow.gmg.tw

全文網址: 「賽爾號」實體展來了 小賽爾集合！ | 訊息藝開罐 | 閱讀藝文 | 聯合新聞網 http://udn.com/NEWS/READING/REA8/7176564.shtml#ixzz1yW5waPQE
 

『賽爾號 戰神聯盟特展』預售票開賣囉！！

本年度將於6/22華山開展的『賽爾號 戰神聯盟特展』，昂德古浪創意視覺有限公司有幸能夠負責承攬展場整體設計與執行，並特別延攬『賽德克巴萊』、『愛的麵包魂』、『痞子英雄首部曲』以及本屆奧斯卡外語片熱門候選，由李安執導的『少年Pi的奇幻漂流』的道具團隊進行場景道具重現製作。預售票現正於ibon熱賣，還請大家多多支持！支持台灣原創的優質展覽！

賽爾號特展門票預售 優惠放送
受小朋友喜愛的虛擬線上遊戲「賽爾號」將走出電腦螢幕，化身為實體展覽，暑假期間在華山文創園區展出，門票預售優惠中。
主辦單位聯合報系金傳媒昨（2）日舉行記者會，「賽爾號」遊戲中人氣最旺的雷伊、蓋亞、布萊克與卡修斯等精靈均化身人偶，並大跳「戰神聯盟舞動員」，炒熱現場氣氛。
「賽爾號」曾被兒福聯盟評鑑為優質兒童線上遊戲，金傳媒活動事業處營運長楊大德表示，策劃此展原因是，「賽爾號」不只是一款遊戲，也盡到社會責任與教育功能。
例如嚴格執行上網時間，每個帳戶平日限用2小時、假日5小時，使用超時系統會自動限制戰鬥功能。
楊大德說，「賽爾號」結合虛實概念，不但讓小朋友懂得分享、合作與團結的真諦，更增加創造力與思考能力；重要的是，這也是難得的親子互動遊戲，讓家長與孩子在遊戲互動中，增進彼此的關係。
台灣淘米公司總經理特別助理戴家琦強調，台灣淘米秉持著「淘米用心、兒童開心、家長放心」的三心原則，創造一個網路平台；過濾網路中的髒字與危險訊息、灌輸網路安全重要性，讓孩子在成長過程中快樂學習。
「賽爾號」特展以「闖關」為概念，小朋友一走入展場，立刻化身為「賽爾」，展開一段探險旅程。遊戲中的船長室、赫爾卡星等部分，均以大型模具實景重現。
「賽爾號」特展自6月22日起至9月30日在華山文創園區展出，6月21日前在7-11、博客來推出預售優惠，購票即贈戰神套卡，內含40元米幣，更多資訊詳見官網http://seer.ishow,gmg.tw。
兒童網遊 用戶上億
2009年6月，上海淘米公司推出兒童網路遊戲「賽爾號」，短短3年時間，在大陸就有1億註冊用戶、6,000萬忠實用戶。這款以尋找太空新能源為主題的科幻探險遊戲，由「摩爾莊園」原班人馬設計，迅速抓住兩岸7歲至14歲兒童的眼球。
台灣淘米網成立不到3年，就已躋身為全台最熱門的兒童網路平台，擁有近500萬名會員。而其控管遊戲時間、禁止不當語言，以及每晚12時「熄燈」的規定，更讓「賽爾號」被兒福聯盟評鑑為優質兒童線上遊戲。
賽爾（SEER）是太空能源探索機器人（Space Energy Robot）的簡寫，透過網路遊戲平台讓小朋友遙控機器人，搭上賽爾號飛船飛向太空，並隨著太空探險故事情節推進，飛越無數個不同面貌的星球場景，參與各種科學知識的能源探索任務。

【2012/05/03 經濟日報】@ http://udn.com/

官方網站： http://seer.ishow.gmg.tw/home/

＜無聲的樂章＞創作計畫發表: 董陽孜X陳綺貞X姚仁祿

歌手陳綺貞作品即日起於北美館展出、建築師姚仁祿五月接續譜出無聲的樂章


由台北市立美術館策畫的台灣當代藝術主題展《台灣當代．玩古喻今》刻正於北美館一樓展出，展覽呈現23位台灣當代藝術家、共150件含書畫、油彩、版畫、動畫、數位輸出與複合媒材等作品，參展藝術家之一董陽孜以＜無聲的樂章＞創作計畫（TONG Yang-tze, Silent Music）參與展出。董陽孜基於當代書法藝術在跨領域的交流與對話之可能性，邀請另外兩位不同領域創作者以此計畫概念於展覽期間接力展出。

作品首先由藝術家董陽孜揭開序曲（2月18日至4月1日），接續為第二階段歌手陳綺貞（即日起至5月6日），與第三階段建築師姚仁祿（5月8日至6月10日）。他們各自從董陽孜的100件｢點墨系列｣中，依其個人所感受的音樂性，選出其中作品（24件以內）重新組合拼接，譜出一段獨具個人特色的＜無聲的樂章＞。

北美館特別在第二階段的展出首日（4月3日），舉辦創作計畫發表會，邀請三位藝術家共同出席分享與當代書法藝術的跨領域合作，由藝術家董陽孜闡敘創作計畫源起；歌手陳綺貞以｢輕，靈｣為主題，以14件｢點墨系列｣表達一種女性獨特的靈氣和敏銳，以及對於音樂在時間與空間之間所呈現流動特質；建築師姚仁祿以也｢矛盾的在音樂裡追求…｣為題預告其第三階段的作品理念。

＜無聲的樂章＞系列作品與創作計畫起源於董陽孜有感於書寫行書、草書時的情感投入，在輕重疾徐的運筆過程中，所留下飛白、濃淡等不同的筆跡，與音樂流動的節奏、韻律性相通，因此在2011年時，將過去自2003到2010年間創作其它大字作品時，所收集的130件不捨丟棄的「點畫」與「使轉」部分字形作品中，選出100件加以裝裱，並命名為＜無聲的樂章＞系列作品。董陽孜書寫下的「無聲之樂」無意於比附任何流派的音樂創作，而在回歸天地自然之根本虛實關係的行為中，讓筆墨與空白的表現作為主角，進行節奏與韻律的演出。一紙紙虛實的表演，或長或短的組列，都在邀請觀者變成聽眾，共同體悟可與天籟相通的心弦樂音。樂音雖無聲，音響卻在各處揚起。

＜無聲的樂章＞展出於《台灣當代．玩古喻今》展覽，該展為北美館所策畫大型台灣當代藝術主題展，呈現自1990年代以來，台灣當代藝術家從在地的歷史文化脈絡及個人的生命經驗中，挪用過去已存在的經典作品或傳統典故的視覺風格、主題或象徵符號等，經過解構、聚合、重組等再創造的過程後，再造新作。不僅思考「過去」在「當代」的意義與可能性，同時也藉以表達個人生活感懷、對藝術本質的反思、對在地歷史文化與社會現況的批判，以及對大眾流行文化等諸多看法。展覽展出時間至6月10日。

＜無聲的樂章＞三階段創作者合照，左: 董陽孜、陳綺貞、姚仁祿。

歌手陳綺貞，背景為她以董陽孜的｢點墨系列｣所創作之＜無聲的樂章＞，即日起於北美館展出至5月6日。

<無聲的樂章>示意圖，將於5月8日至6月10日北美館展出。

《艾未未‧缺席》Ai Weiwei absent

展期: 2011.10.29－2012.01.29
展場: 台北市立美術館大廳、一樓
週二至週日09: 30至17: 30、每週六延長開放至20: 30。

國際演講會: 2011.10.29（六）14: 30－17: 30
地點：北美館地下樓視聽室
引言：高千惠／旅美藝評家、客座策展人
講題：「裸體公民」艾未未。主講：貝 嶺／美籍華裔作家
講題：艾未未的當代藝術。主講：馮博一／中國獨立策展人

艾未未（1957－），生於北京，詩人艾青之子，為當今備受國際藝壇矚目的中國當代藝術家，他從觀念藝術、建築設計、物件裝置到社會評論以及實際的行動關懷，以多面向的藝術能量展現開放的思維格局。近年屢受歐美主要美術館邀請展出，如2007年卡塞爾文件展、2010年聖保羅雙年展、2010年威尼斯建築雙年展，以及2010年甫受英國泰德現代美術館委託製作，於該館的渦輪大廳展示巨型裝置〈葵花籽〉，深獲國際迴響。2011年10月英國權威藝術雜誌《Art Review》公佈〈Power 100〉國際當代藝術最具影響力100人名單，艾未未位居首位，在該文介紹中提到艾未未的文字與作品影響力，已超越藝術，在當今社會中許多領域範疇中，具有促進驅動之力量。最重要的是他的行為表現鼓勵了當代藝術家，將創意想法發揮到更廣闊的方向。
《艾未未‧缺席》於台北市立美術館的展出，是藝術家於華人地區首次策劃的大型個展，本次展覽定為《缺席》，他在展覽策畫過程中曾以文字表示：「在展覽當中，藝術家的在席是沒有必要的，展覽是依靠作品來完成的一次傳達，缺席對展覽本身是一個考驗。我覺得我們都是華人，有著共同的文化背景，同時在今天的政治中，也有很多問題是互相重疊複合的，我不認為我的缺席會對展覽本身有任何影響，如果我的缺席對展覽有影響，那麼更說明如此的缺席是必要的。缺席本身也是我的藝術和我個人今天身份，我的文化處境的一部分，這個身份給予這個展覽以特殊的含義。｣。當代藝術中，觀眾了解一位藝術家最重要也是最主要的途徑，就是透過作品的展現，北美館期望透過展覽的呈現，傳遞艾未未在藝術觀念的多元表現，觀眾能藉由參觀作品的體驗，感受這位當今備受國際推崇之藝術家的啟發影響力。
《艾未未‧缺席》展出藝術家自1980年代至2011年等不同時期作品共21組件，包括15件以陶瓷、大理石、古木器、腳踏車等不同媒材之物件與裝置，2組影像創作〈失手〉與〈透視學─天安門〉，3組錄像影片〈長安街〉、〈北京：二環路〉與〈北京：三環路〉，以及一組共100張的攝影作品，其中75張為艾未未於1983－1993年旅居紐約東村時，生活中隨機拍攝的人事物地，以及1993年後在北京東村藝術社區時的攝影作品，艾未未的鏡頭底下記錄了當時的社會文化景像，以及許多現在各不同藝文領域傑出的藝術家的年輕影像，如陳凱歌、譚盾、姜文、馮小剛、謝德慶等人。
艾未未的創作表現，改變現成物品的使用功能以及邏輯思考，加以拆解、重新組織構造。因為改變而造成的衝突，發自觀者對於事物的認知盲點與角度，但在作品的呈現上，因為製作過程的細節考量而建立其可行性與合理性，使完成品成為一個不可置疑的新載體。如作品〈葡萄〉使用32張清朝板凳相互扣住所串成葡萄之形體；〈兩條腿在牆上的桌子〉、〈三條腿的桌子〉皆取材清朝傢具，破壞再拼裝成為似桌非桌的器材形狀，以牆面為支撐點，裝置為另類的雕塑物件；〈Through〉將拆解自舊廟宇的梁柱、桌子等建築架構，重新裝置成多變的抽象造型，產生與空間環境的對話可能性。
藝術家為此展創作的最新作品〈永久自行車〉，以1,200輛自行車構成，車款為中國大陸國產車代表－上海〈永久牌〉自行車，它是中國最早的單車製造商，且成功建立品牌標誌並制定大陸單車規格標準，曾經自行車遍布大街小巷，是人民對時代的集體回憶，繼熟悉又親切，然而隨者社會經濟的迅速發展，城市街道的交通景象也隨之更迭。艾未未在2009年於日本森美術館之個展，曾拆解42輛同款自行車為媒材創作，這次在北美館的新作，將此觀念擴放到極大，在美術館內挑高10公尺的展廳中呈現，製造出層層疊疊的迷陣空間，猶如具傳輸動能的抽象造形，象徵著中國社會環境邁向變遷中的進行式。
另一件巨型裝置〈十二生肖〉青銅獸首，是艾未未受紐約市政府邀請創作的首件大型公共藝術案，2011年於紐約中央公園旁、廣場飯店前方的Pulitzer戶外雕塑噴泉展出，並巡迴至倫敦、洛杉磯等地。藝術家當初思考這件公共雕塑案，希望能製作一組讓不同層面或文化背景的觀眾都能解讀的作品，他以超出10倍左右的特大尺寸比例，複製圓明園海晏堂前噴泉的12生肖雕像，「12生肖」雖源自中國文化，但這一組動物生肖的樣貌，卻是在清乾隆間由歐洲傳教士郎世寧所設計。歷史的變遷，當初放置於圓明園的12獸首現今流散海外各地，甚而成為古物拍賣品，這其中包含多重且複雜的情感及歷史涵意，這件作品概念如同藝術家一直在處理虛實之間的真實性與其價值的課題，以及價值如何被現今政治與社會所理解或誤解。然作為雕塑本身，每座各高3.8公尺、寬1.5公尺、平均重約達450公斤的巨大造形，兼具質感與量感之氣勢，在引起普羅大眾共鳴的同時，也給予觀者莫大的視覺衝擊。

失手
影像輸出
200 x 190 cm x 3pcs, 1995
© Ai Weiwei

永久自行車
腳踏車1200輛
2630 x 353x957 cm , 2011

十二生肖 
青銅
150 x 130 x 380 cm, 2010
攝於台北市立美術館大廳, 2011

艾未未簡介
艾未未（1957－）生於北京，是中國當代觀念藝術家、建築設計師，為詩人艾青與高瑛之子。在中小學期間，曾在新疆居住16年，之後返回北京就讀北京電影學院，並且曾在1979年參加大陸中國美術館牆外舉辦的「第一屆星星畫展｣，可視為早期藝術創作背景之濫觴。1981年，艾未未前往美國紐約的帕森斯設計學院研習，隔年他在舊金山「亞洲基金會｣舉辦首次個展。1993年艾未未返回中國定居北京，重新進入當時已經成形的當代藝術圈之中。他在當時的中國當代藝術界，最引人注目的是和獨立策展人馮博一合作編輯藝術刊物《黑皮書》(1994)、《白皮書》(1995)、《灰皮書》(1999)，記錄中國當代藝壇的創作動向。
1999年，他開始涉獵建築，進行建築設計工作，並設計自己的工作室和擔任藝術總監的藝術文件倉庫空間，後來也參與地産商、政府投資的景觀、建築設計專案。2003年，艾未未應成為瑞士築師赫爾佐格．德穆隆建築事務所的邀請，參與中國國家體育場鳥巢的設計藝術顧問，這段時間艾未未接受了很多和建築、文化有關的媒體採訪，獲得了相當多的關注與討論。
艾未未的藝術作品曾在歐美重要展出，包括：2000年上海雙年展期間策劃的富有爭議性的《不合作方式》展覽、2007年以《童話》（Fairytale）作品，參展卡塞爾文件展，2010年聖保羅雙年展、2010 威尼斯建築雙年展，以及英國倫敦泰德美術館於渦輪大廳，展示巨型裝置藝術作品〈葵花籽〉。艾未未不斷應邀各國重要美術館與畫廊展出，同時也吸引了大量媒體報導，成為當代中國最具新聞話題性和影響力的藝術家之一。

《倫敦超當代設計展》

湯姆．迪克森，作品｢倫敦運輸｣，以綠能減碳觀點出發，將英國經典賓利車內部改裝為電動車用機械零件。

Super Contemporary－Designed in London

展期：2011.08.27－2011.11.27
展場：北美館地下樓D區
週二至週日09: 30至17: 30、每週六延長開放至20: 30。免票參觀。

指導單位：台北市政府、台北市文化局
特別感謝：英國貿易文化辦事處、英國文化協會、君品酒店

國際演講會：2011.08.27 (六) 14: 30－17: 30
地點：北美館地下樓視聽室
講題：關鍵設計的關鍵時刻
主講：迪耶．薩德奇Deyan Sudjic倫敦設計博物館館長


適逢｢2011台北世界設計大會」以及「建國一百年台灣設計年」的盛大舉辦，台北市立美術館值此盛事，特別引進由英國倫敦設計博物館（Design Museum）所策畫《倫敦超當代設計展》，以過去、現在、未來的時間軸作為展覽脈絡，並邀請15位當代英倫設計界名家，以當代思維重新思考公共願景，如何以設計來創造或改善市民生活，以回饋這座曾讓他們揚名立萬的城市，藉此也映照出他們對於倫敦人文風情的敏銳觀察。本次將展出其中14件創作，同時透過一份以多元媒材表現的歷史年表，用影片、影像、物件、圖版說明等，標記出倫敦自1960年代至今在設計的發展演進上，於建築、時尚、平面與產品設計等各領域之重要關鍵時刻。

該展為倫敦之外城市的首次展出，為此本館與英國文化協會特別邀請倫敦設計博物館館長迪耶．薩德奇，於8月27日(週六)下午假北美館視聽室，以「關鍵設計的關鍵時刻｣ （A Critical History of Critical Design）為題進行國際演講會，為國內觀眾解剖倫敦設計。歡迎各界踴躍參與。
《倫敦超當代設計展》蒐羅過去50多年從倫敦社會文化中衍生發展的創意美學，以編年史的概念製作一份包含超過1,500張影像、500份圖說、影片以及由實體物件組成的立體時間表，自1960年代為起點，標記出每個年代的重要歷史事件，論及大環境的社會文化演變，連帶牽動各領域專才設計思維。呼應著時代演進，詳盡羅列出設計領域間具時代意義及美感的關鍵時刻。透過現場陳列的倫敦街區地圖與各設計地標的結合，以都會區域發展的概念將整座城市的藝術創意網絡連結。這份難得的年表，不僅可供為專業人士學術參考之用，一般觀眾也將從中獲汲許多靈感來源，瞭解目前生活中許多習以為常的標誌、圖像或用品，其實是整個歷史的脈動推進下的共同產物。

《倫敦超當代設計展》意圖探索者做國際設計之都所產出的多元創意，以及蘊藏於文化能量間的連結；藉由此展在台北的展出，期望為台灣設計系學子與專業人士提供交流平台，同時觀眾也能從倫敦的文化發展以及名家的創意發想，重新思考我們現處的都會環境面貌。

英國倫敦設計博物館創建於1989年，向以當代設計為其館藏及推廣重點，是現代設計史與當代設計的主題展覽享譽國際的文化先鋒。在2009年籌畫此展時，特別邀集15位以倫敦為發展基地的各類型設計名家與新秀提供新的設計產品或概念，參與的藝術家多是一時之選且涉獵領域廣泛，如時尚設計師保羅．史密斯（Paul Smith）、韋恩．海明威（Wayne Hemingway）；第一位女性普立茲克建築獎得主薩哈．哈帝（Zaha Hadid）、甫設計上海世博英國館的湯瑪士．海澤維克（Thomas Heatherwick）；無印良品歐洲創意總監的工業設施設計工作室（Industrial Facility）；國際知名產品設計師朗．阿瑞（Ron Arad）、湯姆．迪克森（Tom Dixon）；善用材質熱脹冷縮或導電功能等化學物理特質做為產品特點的保羅．卡士吉（Paul Cocksedge）、以及曾為英國衛報、觀察報的實體報紙與網站重新設計字體與編排方式，以建立企業新形象的圖像設計師奈維爾．布洛迪（Neville Brody），其所創造的字型橫跨流行、街頭、商業等多領域他同時為1980年代英國最重要的文化刊物之一「The Face」創辦人也在參展藝術家之列。

這些當代設計名家如何為倫敦市獻上新創意，解決改進市民生活與城市景觀呢？有的選擇以長久以來擾人的居住問題，如噪音、垃圾清潔、多雨連綿等環境作為創作主題，保羅．史密斯的作品「給倫敦的新垃圾桶」便是一例，他設計一個兔子造型的垃圾桶，當靠近垃圾桶的開口，這隻兔子的耳朵即會閃閃發亮，史密斯創造一個屬於個人品味的概念產品，用幽默趣味的方式回應這座城市。有些設計師則選擇倫敦市中辨識度、普及性高的物件來作發想，如公車站、路燈、郵局等。以湯瑪士．海澤維克的作品「樹枝狀路燈」為例，他將遍佈大街小巷、平凡直立的路燈，巧妙變化成為彷彿在舞動的裝置，他運用現成物為媒材，在設計中增添歡愉淘氣的元素，所創造出的戲劇性效果，為行經的路人創造出特別的空間感受。

保羅．史密斯，作品｢給倫敦的新垃圾桶｣，當靠近垃圾桶的開口，兔子的耳朵即會閃閃發亮。圖為設計博物館館長迪耶．薩德奇正與作品互動。

湯瑪士．海澤維克，作品｢樹枝狀路燈｣，將平凡直立的路燈，巧妙變化成為彷彿在舞動的裝置。

設計師也將自身對於倫敦的情感付諸於這次的委任設計中，例如在基特．葛羅佛（Kit Grover）作品｢泰晤士河造型別針｣中，泰晤士河橫貫倫敦市區，水面交通活動絡繹不絕，與倫敦生活發展息息相關。這隻仿泰晤士河道的曲度而設計的飾品別針，是藝術家從數百年來異教徒將折過的別針丟進水中的民俗傳統中，找到發展的可能性。同時，一直以來在泰晤士河的灘頭及倫敦市內的幾處泉，也陸續發現成千上萬凹折的別針。因此他將這支仿泰晤士河道的曲度而設計的別針，賦予具有祭獻或拋棄意義的符號，進一步延伸民間習俗所表達的概念，重新賦予泰晤士河象徵希望的意義，這支別針的「情感」意義是遠大於其「飾品」的價值。另外，在綠能減碳的全球思潮上，設計師湯姆．迪克森展示的是英國經典古董賓利車款的改造，他將原本油耗量大且造成環境汙染的內部機械馬達，替換為輕巧節能的電動車零件，提出在未來在交通工具的設計與消費使用上，應持更謹慎的態度加以面對。


倫敦，既古典又前衛，以工業革命帶動世界產業的發展，也是普普文化、迷幻藥和龐克的發源地；美學發展上兼容傳統，卻又有著爆發力強勁的叛逆酷炫。強悍而多元的文化及次文化在這個多種族融合的城市中沉澱、發酵、生意勃發。設計博物館館長迪耶．薩德奇認為倫敦沒有所謂的單一風格，在這個城市裡，設計師們可以自由發揮，藝術與時尚、建築與設計的交會，將併出火花且融合再生。因此相信倫敦仍將會持續扮演世界創意中心的角色，並與未來亞洲新興的設計中心相互輝映。

圖版版權Luke Hayes。
 

膠卷中的綺麗世界：蜷川實花台灣首場藝術個展

國際知名藝術攝影師蜷川實花，將於7/23起假MOT/ARTS和台灣國際視覺藝術中心(TIVAC)舉辦台灣首次完整攝影個展。透過兩種空間氛圍，分別展出蜷川實花經典的花朵和金魚主題系列，以及近年突破自我的新作和電影「惡女花魁」人物劇照。配 合展覽開幕，主辦單位將舉辦開幕主題派對、座談會、簽書會和其他一系列精彩活動，讓台灣喜愛群眾近距離體驗蜷川實花的世界。


蜷川實花跨足攝影、製片、電影、時尚等領域，以獨特鮮豔飽和又迷幻的畫面風格聞名。這次展出的經典作品來自「Liquid Dreams」、「Everlasting Flowers」、「Acid Bloom」三個系列，捕捉了金魚和花朵短暫卻絢爛外表的生命瞬間，高飽和的畫面調和出近乎怵目驚心的不真實華麗感，模糊了真與假、生與死的界限，使大膽瑰麗的影像背後，微微透出一股曖昧不明的詭譎氣氛。

本展也將展出其執導的「惡女花魁 SAKURAN」劇照、親手製作僅此一件的「DEKOGAKU」系列、與首次於台北公開展出的最新作品「NOIR」。法文字"noir"帶有「黑」之含意，作品所捕捉的是旅行路途中的各種場景，看似平淡，近觀卻發現圖中充滿詭異怪誕的故事。從畫面中的色彩、構圖、所拍攝的對象，風格的轉變，都能強烈的感受蜷川實花近年來的心境變化與對生命的體悟。

蜷川實花喜愛以傳統膠卷相機拍攝，無法後製編修的特性，因此每次按下快門便要全力以赴做最好的表現。她的堅持為她帶來藝術界的肯定，早已擺脫過去「蜷川幸雄女兒」的形象，以「攝影家蜷川實花」地位立足國際。近年，蜷川實花的活動除了日本，更在歐美有更多元的展出與活動機會，2010年知名藝術書籍出版社Rizzoli Publication在紐約與米蘭推出蜷川的攝影集，收錄她早期至2010年以前所有系列的作品，詳盡呈現她創作的風貌。

此次展覽由台北 MOT/ARTS與TIVAC共同主辦，日本小山登美夫畫廊協辦，透過兩個空間聯手建構展覽整體性。開幕記者會將在蜷川實花親臨下，於7/22下午在 MOT/ARTS舉行，並於隔日7/23同樣於MOT/ARTS參加開幕主題派對；7/24則於TIVAC舉辦簽書會與藝術講座，邀請黃子佼一同對談。在這盛夏季節，邀您一同體驗蜷川實花膠卷下的綺麗世界。


活動DATA：
MOT/ARTS- Flower and Goldfish
展 期｜2011/7/23-8/29
開幕派對｜2011/7/23 4pm
地 點｜MOT/ARTS
台北市復興南路一段22號3樓

TIVAC- noir and SAKURAN
展 期｜2011/7/23-9/11
座談/簽書會｜2011/7/24 2pm
地 點｜TIVAC台灣國際視覺藝術中心
台北市遼寧街45巷29號1樓

《越酷東京－日本MOT當代精選》

Trans-Cool Tokyo: Contemporary Japanese Art from MOT Collection
策展人：長谷川祐子Yuko HASEGAWA

主辦單位：台北市立美術館、東京都現代美術館、東京文化營造計畫
Taipei Fine Arts Museum, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo Culture Creation Project
展期：2011.07.02－2011.09.25
展場：北美館一樓

週二至週日09：30至17：30、每週六延長開放至20：30
全票：30元。未滿18歲以下以及滿65歲以上之觀眾免票參觀。

國際演講會：2011.07.02 (六) 14：30－17：30

地點：北美館地下樓視聽室
講題：越酷東京：何謂酷日本？
主講：長谷川祐子
講題：創作自述／日本當代藝術的文明圖誌
主講：名和晃平、田中功起


《越酷東京─日本MOT當代精選》由台北市立美術館、東京都現代美術館（簡稱MOT）以及東京文化營造計畫共同主辦，起源自東京都與東京歷史文化資產協會為推廣東京文化，呈現「藝術與文化創造城市」之形象。該展由MOT以及東京文化營造計畫籌辦，策展人長谷川祐子以MOT的收藏選件，所進行之主題式策畫之國際巡迴展，始至2009年於曼谷、2010年於新加坡美術館，2011年7月移至台北展出。《越酷東京》Trans-Cool Tokyo一詞由｢酷日本｣（Cool Japan）－用以推廣日本文化軟實力之概念而來，藝術家為確立自己在全球流行文化中的獨特性，以各式媒材呈現現今社會的特有文化現象與產物，藉此表達自我，同時回應當下社會現狀，進一步超越時下泛泛流行的「酷」文化，讓台灣觀眾領會日本當代藝術的多層次魅力。
《越酷東京》將展出東京都現代美術館45件當代精選作品，類型多元。包含平面繪畫、裝置、錄像、多媒體與聲音作品等，參與藝術家共18位，包括草間彌生、森村泰昌、奈良美智、村上隆、池田亮司、田中功起、名和晃平、高木正勝與荒神名香等。同時此次台北的展出，其中9位年輕參展藝術家為表示感謝台灣對311東日本大地震時的各方協助，合力錄製一段影片於展場內與作品一併展出。展覽將於7月2日起正式對各界開放，展期至9月25止。7月2日(週六)下午假北美館視聽室，策展人長谷川祐子以及參展藝術家等人將進行｢越酷東京國際演講會｣，歡迎各界踴躍參與。

北美館向為台灣與國際當代藝術之交流平台，與日本藝術家合作展覽繪畫、建築、攝影、新媒體等各藝術領域之往來頻繁，本次的館際交流將是北美館與東京都現代美術館具指標性的合作。東京都現代美術館創建於1995年3月，位於東京江東區的木場公園，為東京首座有系統研究與收藏展示當代藝術作品的美術機構，尤以一次戰後之日本藝術發展為重點；MOT的宗旨希望以開放的美術館場域，作為「當代」與「藝術」間的連結橋梁。

《越酷東京》（Trans-Cool Tokyo）一詞由策展人長谷川祐子提出，源於「酷日本」（Cool Japan）之說法，用以推廣日本文化軟實力之概念而來，就像前英國首相布萊爾所提出的「酷不列顛」（Cool Britannia）。展覽作品以藝術、普普文化與日常生活的關係為脈絡，不只是介紹蘊含在日本普普文化中「酷」的特性，更試圖透過具批判性的創作，進一步呈現日本當代藝術的風格演進與未來走向。策展人依藝術家作品的特質，同時亦接近年代序地分為四大類闡述：一、日本普普藝術的特色，二、觀感的異質本色，三、微觀政治和追尋現實感，四、科技意識的身體。

日本的普普藝術以複製及大規模的生產方式，援引日本當地文化內涵並予以轉化。對於文化符號的產生，策展人從歷史的走向看日本藝術發展與社會的連結關係，當西方國家的藝術創作以演藝名人、連鎖品牌等大量且重複的商業利益工具為代表他們的社會現況時，日本藝術家的圖像符號則是他們喜愛的「卡哇依」風格，如奈良美智作品《莎詠》，表現出日本漫畫中甜美卻畸形的角色，常見於她作品裡小孩頭大、短小四肢，本身形象來說便是流行漫畫裡的典型樣，但他們放大的憤怒表情卻是小孩對大人世界的抗拒與不滿；村上隆的畫則是代表可愛動漫人物不停的細胞繁殖及分裂，例如他創造一個像似米老鼠的角色「DOB」，之後如變形蟲般的不停繁殖與變化，看似可愛卻也令人毛骨悚然；而他使用電腦設計，並創造出「超扁平」一詞來形容創作過程的速度感與高度平面性，成為今日代表日本的創意表現。

相對於作品本身的構圖或概念，日本藝術常引人注目的原因卻常是因為作品背後的異質觀感。如草間彌生的圓點花紋，看似大量且重複，但每個圓點的些許差異，好似世界上每個獨立的有機個體存活著，而她的畫面空間則是一片小宇宙，從每個角度看盡有不同感受。名和晃平的作品則是透過大大小小的玻璃珠覆蓋在他上網購買的不同動物標本的表面，如此次展出作品《稜鏡鹿#17》，玻璃珠反射周遭景象，產生萬花筒般的視覺效果，模糊了原本鹿隻的整體模樣，透過每個玻璃珠看到也僅是動物皮毛的一小部分；從他透過電腦數位螢幕選擇標的物，到最後的呈現的方式，藝術家名和晃平隱喻視覺感受的虛擬與真實性之間的模糊性。另一位藝術家荒神明香，作品《倒影成雙》的表現同樣是將原本影像的意義徹底轉換成另一種形式呈現，她用人工花瓣作的懸空裝置，是想呈現她從工作室看出去的河面景象，樹與山在河面所形成的對稱到影。

日本的高科技發展聞名全球。日本的媒體藝術家對科技的強烈運用，認為科技與人體間不具衝突，而是合而為一。高木正勝的影像作品《繽紛女孩》、《風》，看似自然流動的層次變化、華麗的油料色彩變化，其實完全是用電腦科技製作成像。池田亮司的影像聲音裝置作品《二維條碼 [n°1–10]》，以電腦程式設計創作，他的影像規律具條理，聲音高低音強而有力，但背後的數位資料則是大量隨機收集來的電腦資訊或圖像檔案，他精確地用科技媒材描繪當今被電腦與電視資訊影像所包圍的數位時代，衍生出一種帶有未來感的秩序美學。足立喜一郎的互動裝置作品《e.e.no.24》，以設計為基礎，為羞於在他人面前跳舞的初學者所設計，將一個回收的電話亭轉換成一間個人迪斯可舞廳，電話亭四面改為單向的鏡子、內部裝設耳機播放音樂、發光球體營造氣氛，進入此電話亭的人只會看到內部鏡子中自己的影像，但一舉一動卻公開暴露在走過外頭的路人或觀眾。電話亭作為「溝通」功能的便利性，以及擺設地點的公共性，足立喜一郎的設計賦予電話亭截然不同的使用意義。

在過去偉大故事的消逝，個人的真實面貌越來越受重視；同時因資訊充斥、快速成長的大環境下，滋生人們缺乏歸屬感的空虛及對空間的模糊性，日本當代藝術家用不同手法及題材表達個人參與社區的廣義政治性，也將其呈現為溝通的機會。島袋道浩是位詩人、旅人、一位將人與事件建立連結的媒介者。他的作品《然後，我決定送給明石章魚一趟東京之旅》，有點傻氣又可愛，他將從明石抓到的章魚裝進塑膠袋，帶著章魚乘坐新幹線到東京。這條章魚如果沒遇到島袋道浩，應該一輩子都無法離開明石地方；另一件作品《剃掉單眉遊歐洲》，描述他有一天在倫敦地鐵上剃掉一邊眉毛，之後旅遊歐洲11個國家，這過程中雖驚嚇到當地人民或旅客，卻也替他交到許多朋友。這些意外地「旅程」，在在隱喻著我們在日復一日的生活中，總有想要扭轉平淡現實的想法，可以逃離、或也可以用展新的觀點來面對等等。藝術家伊藤存不用畫筆畫布，而採用刺繡與布料來做「畫」，創作粗細一致的線條，忽略一般作畫所思考的空間與透視規則，且屏除因繪畫技巧或顏料所帶來的情緒。田中功起錄像及影像作品《從法國香檳─亞丁省當代藝術基金會撿點東西，把它帶到城市裡製造點聲音》，在這次的展出運用展場出入口前的長條迴廊裝置呈現，他以一種短篇、即興，像俳句詩般的動作片段為題材。

在21世紀的當下，東京「酷」藝術，代表日本藝術家在與他人或全世界建立關係的同時，也善用本土文化內涵，並將兩者相互交替，賦予日本當代藝術更為多元的面貌。《越酷東京─日本MOT當代精選》一展，希望呈現MOT東京都現代美術館的當代精選作品，讓台灣觀眾一覽多樣精彩的日本當代藝術作品，也讓熟悉日本次文化的台灣觀眾能對於日本當代藝術有更多的理解與認識；進一步透過交流及展出也提供給身處亞洲文化圈的我們一個借鏡與思考的方向。

策展人：長谷川祐子
《越酷東京－日本MOT當代精選》策展人。

現任：MOT日本東京都現代美術館主任學藝員。
日本多摩美術大學美術學部藝術學科教授。


東京都現代美術館Museum of Contemporary Art Tokyo：
東京都現代美術館創建於1995年3月，位於東京江東區的木場公園，為東京首座有系統研究與收藏展示當代藝術作品的美術機構，尤以一次戰後之日本藝術發展為重點；MOT的宗旨希望以開放的美術館場域，作為「當代」與「藝術」間的連結橋梁。

MOT目前館藏約4千件作品以及10萬本藝術類書籍，廣泛收藏國內外當代藝術相關作品，從平面繪畫、版畫、雕塑、攝影、錄像、裝置到時裝、建築與設計等。其中3千件珍貴的典藏品，為承接1926年成立的東京都美術館（Tokyo Metropolitan Art Museum），作品年代橫跨自1927年起至1987年間之收藏；約1千件作品則是近年自1988年後的收藏，同時網羅更多歐美與亞洲藝術家之作品，此次的展出選件即是從MOT的近代典藏品中精選日本藝術家之作。此外，該館亦籌辦各式大型國際展覽。自開館至今，東京都現代美術館擁有豐富館藏，梳理當代藝術的歷史演變，並與時並進，持續收藏最新時期的當代藝術作品，以建構完整的當代藝術發展脈絡，是為當今日本當代藝術的重要象徵地標之一。
 

圖01_藝術家名和晃平作品｢稜鏡鹿 #17｣，以大大小小的玻璃珠覆蓋於動物標本表面，玻璃珠反射週遭景象，產生了如萬花筒般的視覺效果。
名和 晃平
稜鏡鹿 #17
混合媒材（填充動物、玻璃珠）2008-9
東京都現代美術館收藏，日本

圖02_《越酷東京》展場照。背景為奈良美智作品，左：白夜，2006。右：莎詠，2006。

圖03_藝術家足立喜一朗的互動裝置作品，將回收電話亭轉為一間個人迪斯可舞廳。
足立喜一朗
e.e.no.24
混合媒材（電話亭、音樂、影像）
東京都現代美術館收藏，日本

《第54屆威尼斯雙年展臺灣館》開幕

展覽名稱：《聽見，以及那些未被聽見的－臺灣社會聲音圖景》

媒體預展：2011年6月1日至3日 10 am－9 pm
展覽日期：2011年6月4 日至11月27 日，10 am－6 pm（每週一休館）
地點：義大利威尼斯 普里奇歐尼宮邸 (Palazzo delle Prigioni)

評審委員：王嘉驥、林平、吳瑪悧、陳界仁、陳泰松、瑪莉亞．林德〈Maria Lind〉

主辦人：張芳薇〈雙年展與國際計劃辦公室主任〉

策展人：鄭慧華

參展藝術家：王虹凱、蘇育賢
聲音資料庫∕酒吧設計：劉國滄
聲音資料庫∕酒吧內容企劃統籌：張鐵志、羅悅全

主辦單位：臺北市立美術館

指導單位：中華民國外交部、行政院文化建設委員會、臺北市政府、臺北市文化局

策展人與藝術家合照。左起：鄭慧華、王虹凱、蘇育賢

《第54屆威尼斯雙年展臺灣館》開幕酒會將於威尼斯時間6月2日下午6時30分，由臺北市陳威仁副市長主持，假當地聖馬可廣場旁普里奇歐尼宮邸盛大舉行。本屆展覽由策展人鄭慧華策劃，展名為《聽見，以及那些未被聽見的－臺灣社會聲音圖景》。展覽共分為兩個部份：兩位主要參展藝術家為王虹凱及蘇育賢，作品分別為〈咱的做工進行曲〉及〈那些沒什麼的聲音〉， 以及展場中設置一座以影音檔案裝置陳設的「聲音資料庫∕酒吧」。台灣館將於6月3日預展結束後，6月4日起正式對一般觀眾開放，展期至11月27日止。

《聽見，以及那些未被聽見的－臺灣社會聲音圖景》是一項關於「聲音」的展出，鋪陳臺灣的「社會聲音圖景」(social soundscape)。「聲音」是主題核心，載負多重意義，是內容與形式，是對生活處境、生存狀態的敘事方式，也作為當代社會中政治行動場域的隱喻。這個展覽不僅僅是社會底層聲音的採樣，亦不單只是介紹臺灣當代藝術脈絡中聲音創作的發展，它希望深入探討社會中的不同「個體」或「一群人」以什麼方式宣稱其存在，或如何存在；強調「個人」－個體所具有的本然的差異，也是「集體」－由生活經驗、溝通和聆聽所交織構成的種種「社會關係與形式」的顯現。通過「聲音」所可能產生的政治動能，展開探討社群意識、社會運動的發生和文化形式的構成。一方面，勾勒社會聲音與時代的關係，一方面探索聲音如何被聽見，和它具有的政治社會性為何。

王虹凱：《咱的做工進行曲》

王虹凱作品《咱的做工進行曲》(Music While We Work)，以「聲音」為主要創作內容與概念，她認為：「聆聽是政治的」(Listening is political)。她較早的創作是針對環境的聆聽，近年轉化為「聆聽的組織」(organization of listening) －對尋常感知經驗有意識的觀察、處理、使用和探討。《咱的做工進行曲》計劃中，她超越只是主觀紀錄、採集聲音的音景製作，以集體參與「錄音」的方式探索臺灣的歷史與社會空間。王虹凱回到家鄉雲林虎尾，與當地已有超過百年歷史的製糖廠合作，邀請退休員工和他們的家屬回到工廠，以舉行聲音工作坊循序引導，將麥克風交由退休員工及其家屬，主動錄製他們昔日工作和生活環境的聲音。

蘇育賢《那些沒什麼的聲音》普宮展場

蘇育賢：《那些沒什麼的聲音》

蘇育賢作品《那些沒什麼的聲音》(Sounds of Nothing)，是針對平凡的市井小民所作的計畫。他深入社會底層，重新關注那些過著各自不同卻又平凡生活的人們，他們包括拾荒者、外籍船工、流浪漢等。蘇育賢邀請他們透過組成樂團、製作「音樂」，以專輯、文件等類似獨立樂團的生產方式，為這些社會個體或群體發行他們的素人專輯，並作為他們發聲的管道。這些「樂團」是社會中的「差異的聲音」的隱喻，他們未經訓練的音樂強調出個體的存在，蘇育賢說，這是「讓他們去說去唱出在我們身邊卻又遙遠陌生的聲音。」

「聲音資料庫∕酒吧」普宮展場(局部)

聲音資料庫∕酒吧

當觀眾走進第54屆威尼斯雙年展的臺灣展館裡，還將進入一個以影音、事件紀錄為主的資料庫區－「聲音資料庫∕酒吧」（Sound Library/Bar），這個展區氛圍空間由建築師劉國滄以回收臺灣老卡拉OK及旅館空間裡尋常使用的傢俱所設計，於大廳設置「聲音沙發區」和「影音酒吧區」。內容由文化評論者張鐵志、羅悅全統籌企劃，以影音檔案勾勒臺灣在地的歷史轉進與社會背景。觀眾在這得以輕鬆休憩的公共空間裡以閱聽方式進入臺灣社會脈絡。這個「聲音資料庫∕酒吧」鋪陳臺灣解嚴至今(1987~)的「異議聲音」與「聲音解放運動」兩個脈絡，其中網羅18組對臺灣社會產生改變推動力的「聲音事件與紀錄」。此外，展覽開幕期間有臺灣聲音藝術家暨表演藝術家王福瑞、林其蔚及DJ@llen的現場演出。

北美館2011週六夜開放Here You Art! 最新展演訊息

吳興國：英雄不卸甲－《慾望城國》的創新 北美館視聽室  5月28日 (六) 下午6: 00－7: 00  

金枝演社劇團：可愛冤仇人之愛情不NG      北美館一樓戶外中庭 6月4日(六)下午6: 00－7: 00

週六夜開放TFAM Nights：每週六下午5：30－8：30

贊助企業：瑞信Credit Suisse

如遇颱風，本館開放情形依行政院人事行政局「天然災害停止辦公及上課情形」之公告訊息為準。

北美館週六夜開放TFAM Nights在瑞信(Credit Suisse)全力贊助支持下，今年已連續第6年舉行。TFAM Nights為每週六延長開放由下午5時30分至晚上8時30分，期間所有展覽免費參觀(特展除外)。同時每月不定期舉辦1至2次「TFAM畫像劇」表演藝術以及「TFAM打開創意」演講，規畫主題式創意表演與演講活動，歡迎觀眾善加利用週六夜時光，走一趟美術館為生活添加想像與創意，為自己與家人好友共享難得的美術館參觀經驗。

本週六5月28日將邀請當代傳奇劇場藝術總監，同時榮獲2010年第14屆國家文藝獎表演藝術家吳興國，從25年前的創團之作《慾望城國》談身為藝術家不變的目標與理想，即是在表演藝術之中展現當代創作者的創意及理念。《慾望城國》在導演、舞台、服裝、美學等，於台灣的現代戲劇以及傳統京劇史上所呈現的突破與創新，至今仍撼動台灣藝文界。

接著於6月4日(六)將邀請最具台灣味的表演劇團－金枝演社，演出《可愛冤仇人之愛情不NG》，該劇濃縮自經典招牌劇碼《可愛冤仇人》，自2001年首演以來已連續演出10年，走演過台灣各城市鄉鎮，以一段苦命酒家女與街頭賣肉粽青年的愛情喜劇為主軸，使用台語作為舞台語言、揉合早期台灣的台語流行老歌、新舊交織的本土流行文化，展現自由獨特的台式美學魅力。表演於美術館一樓戶外中庭演出，演員與觀眾可近距離面對面互動感受，開放空間的場域安排，在美術館內建構出獨特的表演氛圍，擴展觀眾藝術欣賞的趣味。

TFAM Nights最新節目列表及詳細資訊歡迎上網查詢www.tfam.museum。洽詢電話：02-2595-7656。

《永遠的他鄉—高更》作品開箱，花卉、水果靜物色彩爭艷

永遠的他鄉—高更 Elsewhere：Paul Gauguin

展期：2010.11.27—2011.02.20

展區：台北市立美術館一樓

開放時間：每周一早上09：00至18：00、每周二至周日09：00至22：00

《永遠的他鄉—高更》，將於2010年11月27日起正式於台北市立美術館一樓盛大展出，預計展至2011年2月20日。本展由北美館、環球策展股份有限公司以及環球印象國際有限公司共同主辦，計將展出高更、與16位阿凡橋派（Pont Aven School）與那比派（The Nabis）的藝術家作品共86件。主辦單位特於開展前一週舉行開箱記者會，精選兩件靜物油畫作品，分別為《籃中的松葉玫瑰》（Still Life with Moss Roses in a Basket，1886）、以及《水果盤與檸檬》（Still Life with bowl of fruit and lemons，1889-1890），會中由北美館館長吳光庭、本展策展人北美館展覽組組長吳昭瑩共同為各界揭開高更畫作的色彩與構圖之美，同時追溯高更在追求自由、遠走他鄉之前的創作方向與演變。


永遠的他鄉一展為台灣首次策畫以高更為主題之大型特展，完整呈現後印象派大師高更各個藝術創作時期的思想內涵，延伸至該時代受其啟發與對後世流派之影響發展。展品借自歐洲、美國、日本等十多所美術館、基金會及私人藏家，包含高更油畫、版畫、銅雕、木刻、陶藝與紙上作品約58件，以及當時代受高更啟發與影響的藝術家作品共28件，如保羅．塞魯西葉（Paul Sérusier）、愛彌兒．貝納（Émile Bernard）、艾杜瓦．烏依亞爾（Édouard Vuillard）、莫里斯．德尼（Maurice Denis）等，藉由這些追隨者的作品，進一步瞭解高更對20世紀現代藝術的影響與貢獻。


11月19日下午於北美館舉辦的開箱記者會，首先開啟的為美國費城美術館收藏《籃中的松葉玫瑰》（50 x 63.2 cm 1886），據此畫右中下方之題字，為高更題獻給昔日證券行的同事兼畫家好友舒芬納克，畫面上呈現的舒芬納克的姓氏字母卻並不完整(僅見Schuffen，而不是Schuffenecker)，顯示畫布可能經過裁切。畫中高更對於花籃的描繪與小桌毯的編織紋理，富具趣味，並與前方桌面、背景中橫豎交織的色彩線條交相呼應。而畫中的玫瑰呈現像是剛被從花園裡摘採，而隨手散置於花籃之中，正等待後續擺瓶、裝水之處理，加上右方角落出現的廚房用白色棉布巾，更強化如此印象。

第二幅開箱作品為《水果盤與檸檬》（50 x 61 cm 1889-1890），此幅畫作風格與題材表現，都如脫胎自高更所收藏的塞尚作品《水果盆、玻璃杯與蘋果》，該作品年代時為高更常往返法國西北方布列塔尼，因此他以塞尚此畫為基礎所繪之靜物畫中，出現不少「高更式」的布列塔尼元素，如畫中窗外的布列塔尼風光，而窗戶的右方，如似一幅以鵝為主體的畫作草圖，這不僅是當地民俗藝術非常流行的主題，亦是高更在該時期經常描寫的動物之一。整體而言，窗景、草圖與水果靜物等的構圖配置，頗具高更布列塔尼時期作品中常見的「畫中畫」的趣味。


高更於1848年在法國巴黎出生，童年與母親在南美洲秘魯度過，之後曾做過商船水手，回到巴黎後，於證券交易所任職一名股票經紀人。1882年法國證券市場崩潰，高更自此辭去股市工作，專職從事藝術創作。1886年起高更數度前往布列塔尼的小漁村阿凡橋作畫，被該區特有的原始人文特色所吸引，逐漸擺脫過去受畢沙羅、塞尚與竇加等的印象派畫風影響，中間亦曾前往法國南部普羅旺斯與梵谷於阿爾（Arles）短期生活創作。直至1891年，前往法屬玻里尼西亞上的大溪地島居住，將人生最後一段歲月追尋心中野蠻冒險的呼喚， 1901年他航行至馬貴斯群島 (Marquesas Islands)，1903年逝世並永遠安息於該地。

東京廣角：篠山紀信攝影展

東京廣角：篠山紀信攝影展

Shinoyama Kishin‧Shinorama Tokyo
2010.10.16－2011.01.02

主辦單位：台北市立美術館
合辦單位：中華藝之文化交流協會
特別感謝：hiromiyoshi

篠山紀信於作品《刺青》前合影。刺青，150x360cm，1987

篠山紀信與北美館展場模型

篠山紀信作品：大相撲，180x450cm，1995

創作已逾50年，人稱攝影頑童的篠山紀信，此次於台北市立美術館展出《東京廣角—篠山紀信攝影展》，將呈現藝術家自1960年代至今共 72件作品，依主題分為上癮東京、篠山廣角、藝術家、女星、歌舞伎坂東玉三郎、東京胴體、魅影、夢幻共八種篠山鏡頭下的不同面貌。欣賞其獨特的「篠山廣角」（Shinorama）、色調反轉（solarisation）的攝影技法，同時從篠山的一系列作品觀看1970-1980年代間日本經濟快速成長的社會景況、東京的城市樣貌以及時下媒體的流行趨勢等。

篠山紀信1940年出生於東京新宿，新宿擁有都內最大的車站，周圍環境充滿著形形色色如貧窮、頹廢、愛憎、奢華等的人生百態，同時親身體驗城市急劇發展、外來人口流入、流行媒體變化等，形成他對社會脈動的細膩觀察與趨勢掌握。其20歲起便已開始從事專業攝影工作，拍攝對象多元，涵括衣食住行育樂等多項領域，最大部分為人物和都市兩項主題。其對情境的營造、拍攝場所的細密設計、與拍攝對象間的關係，三項要素加成充滿戲劇張力的現象寫真。而他善用與娛樂圈的關係優勢，幾乎與每個年代的代表偶像都合作過，從山口百惠、松田聖子、到廣末涼子、仲間由紀惠等，1991年，他為當時18歲的宮澤理惠拍攝全裸寫真集，震撼全亞洲，篠山拍攝的女性人像及女體攝影也成為他最為人熟悉與知名的主題。

篠山紀信對於視覺捕捉的強烈慾望，從其獨特的「篠山廣角」（Shinorama）攝影技巧所呈現的效果一覽無遺，他將三台大型相機橫向並列，同時按下快門，或是只使用一台相機，改變相機的角度進行拍攝，再連結多張照片所製成。不僅看透人物的細節，同時又能遠眺俯瞰整體場景，超越人類肉眼的視野能力。在本次也展出數幅「篠山廣角」的代表作品，寬達3至4公尺的巨幅相片，精密的場景排列，呈現如人體刺青、相撲選手等集體人物照片，不僅僅表達日本社會的某一種文化象徵或行為，更是流露出這一個特定文化族群的個性與氣味。

《東京廣角》攝影展出作品中，一系列篠山30多年來拍攝歌舞伎坂東玉三郎第五代的部分精彩作品；篠山鏡頭下的各領域藝術家，如美髮師、街頭藝人、以及草間彌生、村上隆與其個人作品等；1969年時篠山以色調反轉技法拍攝的「幻影」系列作品，以不見面孔的裸體女性如魅影般地，被或站或臥或萎縮的安置在城市各角落，鮮亮的極端反差顏色更突顯人物在場景中的孤離，或許也反映了當時社會在急速變化下，人與環境間的無力對話，以及當時的流行象徵符號。同時，日本著名製作人偶大師四谷(Simon Yotsuya)的人偶作品照、以及1988年拍攝的東京花樣年華少女夢系列作品等，皆將於此次篠山於北美館的個展中精彩呈現。

如同東京都現代美術館館長長谷川祐子專文《全球化時代的攝影家：篠山紀信》指出篠山所拍攝的作品，匯集了這個時代人類在下意識之中「想看」的事物。將不尋常的現實，真實呈現，正面捕捉時代變化的氛圍。篠山一面滿足媒體，一面持續站在時代最前線，用最犀利的攝影手法挑戰不停變遷的大環境。

篠山紀信將於開幕本週來台，於10月17日(週日)下午3點至5點鐘，於北美館視聽室舉辦一場以「篠山廣角」為題之專題演講，自由入座、免費參加，歡迎各界踴躍參加，一睹日本當代攝影頑童之風采。

台北市立美術館館長選拔賽！

圖說：北美館館長辦公室實景，館長職務現正懸缺中，由副館長代理






《台北雙年展2010》作品：《館長剪輯版》，徵求北美館館長候選人報名參賽

你想成為台北市立美術館下任館長嗎？你想典藏和展出什麼作品？你認為該如何造就一個很棒的美術館？你認為作為一位成功的館長，需要什麼條件？假如有興趣，本次《台北雙年展》參展德國藝術家克里斯坦‧揚可夫斯基（Christian Jankowski）將邀請觀眾參與創作作品《館長剪輯版》（Director’s Cut），邀請擁有理想與抱負的你，不拘性別、不拘年齡、不拘信仰、不拘學歷，進棚錄影，在評審面前發表獨到政見，過程將拍攝為作品展出，歡迎國人報名參加。

預定於今年9月7日登場的《台北雙年展2010》，試圖運用雙年展本身，檢驗雙年展這個機制。遠離美學、政治等典型的雙年展主題，從「台北雙年展」本身所開啟的藝術對話，意圖彰顯一般當代雙年展中所缺乏的聲音：雙年展的批判以及檢驗。本屆雙年展中策劃了數個事件，其中具話題性也值得博物館觀眾反思的，正包括這件模擬美術館館長選拔賽的《館長剪輯版》計畫。

參展藝術家之一的克里斯坦‧揚可夫斯基，有鑑於近年來全世界各地電視選秀比賽的熱潮—諸如國外的The American Idol、The Biggest Looser以至於國內的星光大道等，無不創造收視佳績，締造無數話題！《館長剪輯版》即是模擬電視節目選秀方式拍攝的「台北市立美術館館長選拔賽」！藝術家將徵選訊息刊登媒體廣告，開放觀眾報名參加徵選，整個過程與成果也將成為雙年展的一部分。選拔賽過程中將邀請多位藝文界、社會各界的代表人物擔任評審團，在攝影棚將其選拔過程錄製成影片。影片經後製、剪輯後，計畫將以15-20分鐘的影片方式呈現，於開展日9月7日直至9月12日設置於現正懸缺的北美館館長室播放，並開放觀眾參觀。北美館並將於展場內設置候選人投票箱，邀請觀眾在觀賞影片後，直接進行現場投票。有意「參選」的觀眾，請於99年8月15日前向北美術館雙年展辦公室報名，洽詢電話：02-25957656轉分機232吳小姐；北美館網址：http://www.tfam.museum/。

展覽訊息：
《台北雙年展2010》
展覽日期：2010.09.07—2010.11.14
展覽地點：北美館一、二樓
策展人：林宏璋、提爾達‧佐赫德(Tirdad Zolghadr)

《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》6月26日隆重開幕

《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》
Manet to Picasso: Masterpieces from the Philadelphia Museum of Art

展期：2010.06.26－2010.09.26
展區：北美館三樓展場
開放時間：每週一至週日9:30-17:30、週六延長開放至20:30



眾所期盼的台灣年度藝文盛事《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》，正式於6月26日起對各界觀眾開放，展期至9月26日止。主辦單位台北市立美術館代館長陳文玲、費城美術館館長堤莫斯‧魯伯（Timothy Rub）以及法藍瓷有限公司總裁陳立恒共同在25日的記者會上為國人引介這項展覽的全貌，主辦單位感謝所有贊助、協助這項展覽的企業與單位，並於晚間舉行盛大的開幕酒會，宣告這項重量級的藝術饗宴揭幕，精彩紛呈的畫作與雕塑將在為期三個月的時間裡與國人面對面接觸。

此次台灣的北美館首度與美國重量級美術館共同合作《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》，展出包括馬內、竇加、莫內、雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更、羅丹、馬諦斯、畢卡索、夏卡爾、莫迪里亞尼、米羅、杜象、歐姬芙等，共33位藝術家、58件油畫與雕塑作品，實為台美博物館界交流的重要標記。

成立於1876年的費城美術館收藏近22萬5千件藝術史上頗具代表性的作品，並且是美國重要文化地標之一。藏品涵蓋了中世紀及文藝復興時期的繪畫與雕塑、中國瓷器、建築裝置到當代藝術，其中又以豐富的印象派及後印象派藏品，以及畢卡索、馬諦斯與杜象的收藏著稱，另外也收藏許多美國本土畫家的精采作品。無論在藝術史的研究、展覽呈現與策展理念上皆極具創新思維，曾兩度獲得策畫威尼斯雙年展美國館的殊榮。

《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》內容呈現出19世紀後期到20世紀前期的藝術家們，經過對古典藝術典範的反思之後，主張個人創作的主體性，強調與時俱進，以呈現現代生活與個人內在感受為主的「新藝術」風格，並以創新的技法表現。展名「馬內到畢卡索」，馬內首先背離了古典道德的包袱，以放縱的筆觸，大膽的將當時巴黎仕女奧林匹亞的胴體橫陳於觀眾的眼前，成為現代繪畫的奠基者；而畢卡索則以其一生豐沛的實驗精神與質量豐饒的創作，在現代主義中佔據了最前列的位置，同時在本次展品中，畢卡索1961年的「女人與小孩」為年代最晚的一幅作品。

現代風景畫最具代表性者為印象派畫家的作品，以當時的觀光景點、家鄉、工業及城市風景為主題，他們走出戶外寫生，將注意力放在個人生活的時刻，並以細碎、繽紛的色點與色塊，捕捉變化多端、轉瞬即逝的景色，體現了現代繪畫中畫家內在自我對外在自然的探索，如莫內的「艾特達的岩門」、「昂蒂布之晨」等，表現出他對流動性質的現象，如水、光、雲霧等的繪畫掌握度；畢沙羅的「盧昂市布拉克華島(霧景)」，他用點描法繪出盧昂碼頭上的工作剪影，以及岸邊的工廠煙囪景象，則是在戶外的風景畫中納入了現代科技、勞動生產的符號；此外，藝術家如布丹、西斯來、雷諾瓦等，也都是這系列風格的代表人物。

在基於對現代科技進展、工業資本主義發達的觀注下，提倡機械美學的雷捷選擇在立體主義的基礎下，將畫面幾何分析，以明亮如金屬般的光澤色彩呈現，作品如「綠葉」、「印刷工人」等；另一位藝術家德洛內的作品則以當時先進的巴黎地標艾菲爾鐵塔為畫面主角；在以上作品的內容中，同時帶出當時的大環境、人類與自然、機器、建築間的現象關係。構圖技法上的演變，本展呈現了現代藝術家在對形體本質、二度空間的平面畫布上，如何製造三度空間假像的探索歷程，例如布拉克的「一簍魚」、米羅的「馬、煙斗和紅花」以及畢卡索「女人與小孩」等。最後，逾越了印象派對「視覺」可能性的尺度，藉由象徵、潛意識與夢境，捕捉個人對世界最深邃的內在反應，將超乎現實的情境呈現於畫布之上，例如米羅作品「繪畫」、唐吉的「平行」以及夏卡爾的「夜晚」、等。


這次展出的人物畫多半以女性為主角，呈現出豐富且多變的現代女性形象。畫中的女性不再侷限於傳統繪畫中的居家空間以符合女子「宜室宜家」的刻板形象，而從事了更多舞蹈、歌劇、音樂、閱讀等社交及文化生產活動，如馬內的「愛蜜莉･安柏的卡門扮像」、竇加「芭蕾舞課」、雷諾瓦的「彈吉他的女人」、卡塞特「包廂裡戴珍珠項鍊的女人」等藝術家的作品。而現代藝術家對於女性裸體的表現，從展出的作品中可窺看出其與傳統古典藝術中裸女形象的延續關係，同樣是為了表現身體本質的豐潤情慾，但在題材的選擇、局部細節的處理，以及身體動作的施放自由度等，都是值得細味觀察之處；如雷諾瓦的繪畫「裸女」、竇加的雕塑「人體雕塑」、馬諦斯的雕塑「坐在凳子上的裸女」與羅丹雕刻的「永恆的春天」。


另外，此次展出的馬諦斯作品「黃衣宮女」、「摩爾式屏風」等，畫中主角的宮女扮像，以及他使用收集自亞洲、北非及大洋洲的裝飾品，如非洲植物、波斯地毯、摩爾式屏風、香爐與阿拉伯紋飾壁紙等來佈置場景，在當時馬諦斯成為西方藝術家在對東方殖民地及異國文化充滿興趣與想像下，將其融入創作的代表人物之一，與之相同者還包括如高更、畢卡索與莫廸尼亞尼。


觀眾透過費城美術館的經典收藏，可飽覽19世紀末20世紀初現代藝術發展波瀾壯濶的精采面貌，同時也將瞭解費城美術館的典藏脈絡與收藏源流。美國的收藏家，尤其是費城的居民，在這批歐洲前衛藝術作品成為費城美術館收藏的過程中，資助並支持當時歐洲急需援助的前衛藝術家，之後更熱心捐贈、或費城美術館向他們蒐購，讓這次的展品，終而成為費城美術館的重要館藏，在現代藝術史中灼灼生輝。主辦單位也盼望藉由此次展覽的舉辦，能在引介秀異的傑出大師鉅作之餘，同時凝聚國人對文化資產累積的信念與努力。


《馬內到畢卡索－費城美術館經典展》展出期間，美術館規劃出一系列教育推廣活動，鼓勵觀眾多加參與。包括6月26日由費城美術館館長堤莫斯‧魯伯主講「由馬內到畢卡索」，於展覽現場為民眾導覽解說來自費城美術館的件件精品；另有四場賞析會，邀請美術學系專業講師，以不同講題深度看現代西方繪畫藝術。親子教育方面，適逢暑假期間，在8月推出「夏日畫室」，以藝術家的畫室概念，於平日週間下午開放美術館209藝想空間，在現場老師的引導下親手繪畫出屬於自己的創作。另在週日的活動，美術館籌備四場「娃娃WAWA愛說畫」親子繪本藝術活動，專對3至8歲的兒童藝術培養而設計，除邀請插畫家劉瑞琪繪製兒童專書，並帶領父母與孩童一起和故事書主角娃娃WAWA，以輕鬆童趣的方式欣賞費城美術館的經典名畫。

詳細活動辦法，請參閱美術館網站http://www.tfam.museum/

馬、煙斗和紅花   油彩、畫布_米羅_82.6 x 74.9 cm_1920

貓頭鷹  青銅  畢卡索   36.8 x 27.9 x 36.8 cm_1950

包廂裡戴珍珠項鍊的女人   油彩、畫布  卡塞特_ 81.3 x 59.7 cm_1879

費城美術館館長堤莫斯．魯伯與作品合照

(作品：日本橋下的睡蓮_莫內_油彩、畫布_88.9 x 92.7cm_1918-26)

《形、音、異—法國里昂國立音樂創作中心聲音裝置展》

在介紹一系列 Jean-Paul Gaultier的展覽文章後，其實北美館在2010.06.05 – 08.15還有另一項令人驚豔法國展，並且是免費開放民眾參觀！在高提耶衝擊你的視覺神經之後，別忘了到隔壁的展區讓你的耳朵也接受藝術家超越現實的動感洗禮吧！


 

台北市立美術館一樓B區
2010.06.05 – 08.15
每週二至週日9:30-17:30、週六延長開放至20:30

策展人：詹姆斯‧吉魯東 James GIROUDON

主辦單位：台北市立美術館

特別感謝：法國在台協會
贊助：飛宏科技股份有限公司


《形、音、異 Mobility、Sound and Form》：「一場表演、一個展覽」

《形、音、異 Mobility、Sound and Form》，為法國里昂國立音樂創作中心(GRAME)首次在台灣進行大規模展出。策展人詹姆斯‧吉魯東依據北美館館場的空間結構、建築本體與環境對於聲音的接納性，規畫展出由GRAME所製作，或邀請共13件聲音錄像作品，是來自不同背景的當代藝術家與程式設計師、工程師、技術開發人員等合作完成的跨界藝術新典範，融合舞蹈、音樂、聲音、視覺、空間裝置等多向度的藝術形式，藉由實體呈現的視覺造形作品，更深一層次地探索音樂隱形於空間中的流動軌跡。希望觀眾置身在展覽場域時，將不僅是「觀看」影像裡的律動、姿勢、色彩變化，同時需要「聆聽」每一件聲音裝置的編曲或配樂，在加入電子數位科技而激盪出充滿變化的視聽感受。

GRAME，法國里昂國立音樂創作中心，於1982年由詹姆斯‧吉魯東與皮耶-亞蘭‧傑夫荷努(Pierre-Alain Jaffrennou)共同創立，鼓勵、促進創意作品的製作與發行，貢獻於音樂發展與跨學科領域的研究，進而搭起創作者和觀眾群之間的橋梁。GRAME擁有研發實驗室、作曲工作坊、以及由作曲家和演奏家所組成的團隊，每年提供藝術家駐村機會，在全球推出如音樂劇、多媒體製作、公共活動與聲音裝置等作品。


以物理性本質而言，音樂的聲音呈現受｢空間」配置所產生的投射、震動而有所變化，但數位科技的研發如喇叭設備、音軌模擬、速度調適、程式編寫等，將可打破固有的收聽模式及時空限制。新技術的發展促進了視覺元素與聲響間的混合創作，不同領域的藝術家將科技手法視為創作的工具，或是達到作品展示的策略之一，讓各種藝術形式在同一時間與空間場域內同時存在，產生種種跨界混合的可能性。GRAME所合作邀請的藝術家背景皆各具多重專業的創作專才，在作品的表現形式與內容上都各有表述。如身兼作曲家與電影導演的提耶德‧德‧梅(Thierry de Mey)，是當代融合舞蹈、音樂、影像為一體的知名創作者，善於以音樂完整地表達舞蹈的內涵。玻璃裝置創作的丹尼‧凡桑(Denys Vinzant)，本身具合聲、對位、音樂史的學術背景，同時亦研究教授電子原聲音樂，他的作品經常從古典詩歌汲取靈感，再透過電腦計算創作聲音的發響。策展人吉魯東本人在音樂的創作範疇橫括電子音樂、音樂劇、獨奏、重奏樂篇以及唱片發行等，同時極力促進音樂藝術節與展覽館的合作。。


《形、音、異》展出焦點之一，為展現物體、事件的運動與速度間的變化效果。如作品《移動音樂》，採取似音樂會概念，運用大量的音樂參數、隨機運算的程式編排，在觀眾周圍裝置八聲道喇叭來傳播電子原聲，急速而不定的播放，突顯聲音在數位技術的控制下，時間與空間的連結效果。作品《時間長痕在此》，聲音的編排結構是要營造出流轉竄動四方、無法辨識來源的聲響效果，而同時移動式的投影機投射出慢速而後殘留、淡化，最終消失的影像。


另一關注焦點在於運動中的身體，呈現的是以舞蹈姿勢做為其藝術意圖的中心。作品《自由之家》內舞者被要求以倒置九十度的姿勢，在懸崖峭壁上進行動作與拍攝；《房間》也是選擇非常極端的場所，讓舞者於固定的空間內韻律動作；這兩部片的後製經過剪接、切割、重組，而產生不同重疊組合的變化，讓影像跨越了空間場景的限制。


提耶德‧德‧梅與比利時編舞家安娜‧泰瑞莎‧姬爾美(Anne Teresa de Keersmaeker)合作的作品，除了視覺上舞蹈與影像的效果，聽覺上音樂的搭配與意涵更是突顯藝術家的創作意圖。如《俯拍》，姬爾美在美國極簡音樂家史提夫‧萊希(Steve Reich)的作品襯托下獨舞，舞蹈與音樂不協調的組合，舞者在一片白沙上，持續不斷的腳步拖移留下痕跡，最後「畫」出如薔薇花狀的曼陀羅圖騰，影像的拍攝採由上往下俯拍這完整的過程，現場裝置則是重現一片白沙的場景，由上往下投射舞者當初的運動。而《對立說法》的十部短片是提耶德‧德‧梅邀起請十位音樂家各自為影片作曲，再配上姬爾美的編舞。《海前奏》則將舞蹈場景移到艱困的環境─鹹海，重新詮釋德布希「牧神午後前奏曲」中幻想的夢境。



在互動裝置作品的部份，《無聲音樂》用很簡單的喇叭和電線，互相連結高頻率蜂鳴器，藝術家利用高挑的牆面以及美術館透光的落地窗，循著光源的方向擺置，蔓延狀似開著花朵的樹枝；它所播送出的音響結合河流溪谷的自然聲，與電子合成的低鳴混音，時而靜止、時而慢速流動，整個空間因為作品視覺與聽覺的介入，形成一個宛如有機體的構造物。

《此時此地》是一組大型聲音模組裝置，由43塊尺寸不一的聲學玻璃板以及兩顆玻璃水晶球，貼連蜂鳴器及電線，當玻璃振動所發出的清脆聲響，透過喇叭放大音量，直接連接與電腦計算的流水聲音背景，在不同空間中形成獨具一格的變化。藝術家在玻璃板上用金色墨水手繪出精緻的阿拉伯裝飾圖樣以及螺旋交織的古代樂譜、音符記號，當大小、高低的玻璃板在空間中此起彼落地發出聲響，彷彿書寫於板面上樂譜旋律，無形地再度被演奏呈現。

《聲音盒子》，如作品名稱所示，工作團隊搭建出一個長、寬、高各3公尺的立方盒子，將之放至於一個完全黑暗寂靜的房間內，四周設置麥克風和喇叭收音系統，參觀者在房間內所製造出聲響如拍手、呼喊或是竊竊私語等，和空間內的視聽設備發出共振和循環，同步影響盒子發光體表面的顏色轉換與速度變化。

《姿勢—有關誕生的三種變異》，是一件三D影像顯現與觀眾行為互為依存的裝置作品，影像的基礎是藝術家用抽象的彩色圖樣表現出古希臘酒神的恍惚精神、太陽神阿波羅的華麗夢境，觀眾視覺上的感官感受端看每個個體於展場空間的移動與姿勢。同時鼓勵觀眾戴上紅外線感應的指環，在展場中央隨著自我心境做出如指揮家的手臂揮動，屏幕裡的色彩、圖騰將隨著觀眾的想像力不斷演進與變化。

南君x 星巴克「要去火星當明星」白日夢畫展

馬克吐溫說：「不要離開幻想，一但幻想消失，你將可以繼續安在，但生活將從此與你無關。」

宇宙的大小…就如同幻想的濃度在我們的生活所佔比例一樣–不可估算。
與其等待路易卡羅斯留給我們一個怪誕的愛麗絲仙境，　
不如現在就坐下和兔子先生喝杯下午茶…

↑【火星票券保存外太空回憶 星巴克再送優惠好康 】



除了系列作品的展出，現場也將展示南君私藏的復古小物。
並加入特製的「火星票券」，企圖打造一場迷人的夢幻外太空出遊，
讓不論是準備上火星或是剛離開火星的觀展者，都能保存票根留住美好的幻想能力。
特別的是，展場規劃了火星願望收集處，讓觀展者能透過文字或塗鴉的方式，
把想說的願望妄語寫在火星紙條上，並投入鐵盒中，就有機會抽中南君限定福袋；



同時憑「火星票券」在展覽期間至星巴克漢中門市點購星巴克飲品，
即可享受買一送一的優惠。讓你在遊歷完南君的火星旅程後，回到現實生活中也能偷得半日閒，喝杯咖啡放鬆好心情，繼續下一個幻想之旅。







幻想是科學的附屬物件，人類發展不能沒有那些不可告人的夢，放下現實擠壓的武裝正經，4/1愚人節開展。





【展覽資訊】
展覽時間：2010/4/1（四）-2010/5/9（日）
展覽地點：星巴克漢中店藝文空間（台北市漢中街51號4樓，西門徒步區內）
開放時間：（週一～五）09:30~23:00 （週六、週日）08:30~23:00，免費入場

畫龍刺鳳還不如紋隻長頸鹿在身上！

國外有位超酷的女孩，在自己身上用「連連看」的方式，在小腿上刺下的一頭「長頸鹿」，整個就是超有創意、超有型的啦！

小說插畫家 Colleen AF Venable 突發奇想想在自己身上玩「刺青連連看」，在自己的小腿上刺了63個黑點，用筆按照順序連上的話，會出現一頭幾何圖形的可愛長頸鹿，並且將自己刺青的照片放上flickr，這實在太有趣了啊！

「刺青連連看」的優點就是，無聊的時候很好打發時間啊！(誤)而且用不同顏色的筆，連出來的fu也不一樣喔！怎麼樣，有沒有心動想刺一隻馬來膜在臉上啊XD～

青少年，來博物館吧!

台北市立美術館新定門票收費標準，開放十八歲以下民眾免費參觀(特展除外)


青少年，來博物館吧! 台北市立美術館將自今年4月11日(週日)起，實施新定門票收費標準，增加多項優惠入館條款，其中最顯著、影響層面最大的即是開放「十八歲以下(未滿)民眾免費入館參觀」(特展除外)。為持續鼓勵高中以下學生參與美術文化活動，美術館特將免票年齡由六歲提高至十八歲，預計將有約百分之20的北美館觀眾受惠。


本次增修優惠範圍還包括「北市十人以上團體可申請免票參觀」、「北市低收入戶持證明可免費參觀」、「北市各級學校美術相關科系可預約申請免票」、「藝文相關團體舉辦美術相關活動可申請免票參觀」等，連同現行優惠共十二項免票辦法(詳載於新聞稿附件)，期望能擴大民眾參與文化藝術的動機，達成深耕全民美術教育之目的，並藉由與社會各團體的密切互動，增益社區美術氣息，凝聚美術館與社區間廣泛交流的共識。


台北市立美術館開放時間為每週二至週日，上午9點30分至下午5點30分，每週六夜間開放延長至晚上8點30分，5點30分後免票入館，週六、日不定期舉辦藝術相關演講、舞劇、親子體驗活動等。歡迎各界4月11日起多加利用新版門票優惠辦法，如需團體預約，請電洽美術館教育推廣組02-2595-7656，或洽美術館網站www.tfam.museum。